Artistes

Chiara Stefani est une artiste contemporaine italienne basée

entre Paris et l'Italie du Nord, qui combine

techniques traditionnelles telles que l'huile sur toile et le graphite

sur papier mais avec une perspective contemporaine.

Son travail est structuré sur la représentation de

féminin. Le concept principal est de se concentrer sur ces qualités

comme douceur et vulnérabilité qui ne sont pas synonymes

de faiblesse. "Notre société récompense toujours les hommes

approches valorisant l'individualisme, l'agressivité et

la pensée analytique comme de bons attributs pour atteindre le succès.

Il est temps d'inverser la tendance, de responsabiliser les

côté féminin qui est à l'intérieur de chacune d'entre nous, pour

générer un monde plus créatif, nourricier et aimant ».

Dans ses peintures, elle essaie de recréer ce sentiment de

l'autonomisation et la fraternité, pour capturer l'inné

la force et la complexité des femmes et envisage la

nature de la connexion. Tout au long de la représentation de

gens ordinaires, elle veut explorer le kaléidoscope de

émotion que l'on peut trouver dans le visage humain.

Dans ses œuvres, les femmes sont très charismatiques,

représenté regardant souvent en avant sans sourire et

introspectif

expressions.

Elle trouve certainement aussi son inspiration dans ses diverses

voyage à travers le monde, notamment en Asie du Sud-Est,

où elle a vécu quelques années, et le Moyen-Orient. Elle

passe d'innombrables heures à travailler sur ses peintures en essayant

pour représenter ce sentiment spécifique pris dans ce défini

moment afin de se connecter profondément et plus intimement

avec le spectateur.

Née en 1986 en Italie, elle a commencé à explorer les arts

expressions dès le plus jeune âge.

Elle a étudié les beaux-arts et elle est diplômée en art

Conservation du patrimoine culturel à Venise, et ce

a ouvert la voie à sa carrière dans le domaine de l'art, lui permettant

expérimenter différentes techniques et étudier

matériaux utilisés par les artistes il y a des siècles jusqu'à la dernière

techniques.

Son style figuratif et hyper réaliste lui permet de

exprimer sous la forme la plus élevée le concept qu'elle veut

représenter sur la toile.

Jacques Bosser est né en 1946 au Havre. Vit et travaille à Montrouge.

Jacques Bosser est peintre et photographe, mais, depuis quelques années, il combine également les deux techniques dans des œuvres mixtes extrêmement originales qu’il appelle des “photos peintures”.

« Dans mon travail associant photographie et peinture, je cherche à établir une symbiose entre deux mediums qui ont chacun leur propre mode de production et qui se lisent avec des codes différents. Ceci dans le but de réaliser une oeuvre globale à percevoir d’un seul coup d’oeil. L’attention est d’abord attirée par le corps nu en noir et blanc, corps offert directement aux regards, corps sexualisé, parfois érotisé. Mais cette tension est atténuée par la couleur et la matière picturale qui enveloppent l’objet du désir d’une certaine sensualité, proposant ainsi une échappatoire, une respiration.

Dans la série Outre-mer, la mise en scène photographique reprend les attitudes érotiques imposées aux femmes indigènes figurant sur les cartes postales coloniales d’Afrique et du Maghreb. Le corps féminin était ainsi offert aux désirs et à la soumission de l’homme occidental. Il répondait à la fascination du corps indigène exotique vu et fantasmé par la Métropole. Corps des Mauresques dévoilé, photographies au style orientaliste de femmes lascives. L’imaginaire exotique du corps noir de l’esclavage à la colonisation a longtemps nourri notre fabrication d’images fantasmées. »

Née en 1989 à Amsterdam
Vit à : Amsterdam
Travaille à : Amsterdam

Degann est le pseudonyme de l'artiste Anne de Groot. Ses peintures et aquarelles recherchent «l’esprit» et l’émotion.
«Notre perception a de nombreux filtres subjectifs; esprit, corps, mémoire. En raison de l'éventail de possibilités de la peinture, de la représentation à l'abstraction totale, elle a la capacité de dépasser ces filtres et d'atteindre quelqu'un au niveau émotionnel. Mes peintures montrent des traces d'émotion, de pouvoir, de vulnérabilité et de réalité. Je m'en rends compte en combinant des techniques et en déformant les aquarelles avec des taches, ce qui crée une tension avec la réalité. Le spectateur ne se concentre donc pas sur la ressemblance et la reconnaissance, mais sur l’émotion. Je recherche des perspectives attrayantes, des images vives et accessibles mais leur donne un côté sombre. Je travaille dans des couleurs invitantes, mais en y regardant de plus en plus, un certain inconfort devient apparent. Cette abrasivité déclenche une réaction avec le spectateur. Je cherche avant tout à stimuler les sens et à inviter à une véritable expérience des images. Je joue avec la tension entre la beauté, l'esthétique et l'émotion brute. »(Les multiples couches des peintures créent une forme insaisissable, comme la lumière, les œuvres sont à la fois fugaces et présentes.)

LA CIOT’ART
Accueillez l’art dans votre entreprise.

Notre objectif : rendre l’art accessible !

Art Investissement a le plaisir de vous annoncer un nouveau partenariat avec La Ciotat Entreprendre, Association dynamique, qui réunit plus de 300 entreprises Ciotadennes.

Stimuler l’émotion au quotidien par la présence d’œuvres d’art qui rendront votre lieu de travail unique comme vous !
C’est le pari que nous prenons, en lançant.

L’opération la Ciotat’Art,
Le concept est simple :
Nous exposons gracieusement et sous notre responsabilité des œuvres d’art sélectionnées sur une période de 2 mois afin de les partager avec vos collaborateurs, partenaires et clients.

À l’issue de cette période, libre à vous de poursuivre cette aventure par le biais d’une location pure, une LOA ou tout simplement en faisant l’acquisition.

Vous pouvez également rendre cette œuvre, mais sachez déjà que vous ferez de nombreux malheureux.

Né à Agen, en 1981.

Lauréat 2021 de l’Aide Individuelle à la Création, attribuée par la DRAC Occitanie, il développe actuellement un projet initié auparavant par une résidence artistique au Vietnam, le pays d’origine de ses grands-parents. Il interroge les liens familiaux, la notion d’exil et du « chez-soi »

« Dès que je me suis intéressé à l’art, j’ai porté mon attention principalement sur l’exactitude et la précision d’observation de la nature et du cosmos. Je décrivais d’abord le volume du modèle avec le trait, ensuite par le fil de fer. Jusqu’au moment où je me suis rendu compte, d’abord inconsciemment et ensuite consciemment, que le trait est une fiction. Ce qui existe réellement c’est la masse, la matière. La tête est avant tout une sphère. »

Valota est un artiste français d'origine italienne. Il travaille dans ses ateliers à Montreuil-sous-Bois et en Normandie.
Il emploie la cire, matière unique qu'il travaille par le feu et la fusion. Une récente monographie "WAX" aux Éditions du Regard retrace son œuvre singulière.
En 2014, Valota est à La Fiac à Paris pour présenter des tableaux en cire et pigments de ses dernières séries "Bloom & Vanity" et "Arborescence".
Il a exposé dans des galeries à Paris, à Londres et à Istanbul notamment aux côtés d'Andy Warhol (Fondation Absolut Vodka), Bernar Venet, Bustamente et Frank Stella (Riff Art Projects, Istanbul), Cruz Diez, Vasarely (Lavignes Bastille, Paris)...

Nasser Al Aswadi est né le 4 Octobre 1978, au village al Hujr, non loin de Taiz, la troisième ville du Yémen. Il a vécu dans son village jusqu'à ce qu'il eût 16 ans. Plus tard, il étudiera l'architecture à Taïz, puis à Sanaa. Il expose ses premières œuvres à Sanaa en 2001. A partir de 2008, Nasser a multiplié les va-et-vient entre le Yémen et la France. Pour Nasser Al Aswadi, la calligraphie est un moyen d'exprimer des sentiments et des pensées sans qu'ils soient spécifiquement liés à la langue. Il utilise des lettres arabes, des mots et des formes ainsi que des références religieuses et musicales. La grande variété de significations et de styles nourrit la créativité de l'artiste.

Né en 1961

Vit et travaille à Colombes

Mes images sont de simples fragments de réalité, des photographies jamais retouchées ni même recadrées après la prise de vue. C’est la peinture qui m’a donné le besoin de faire des photos, la peinture abstraite qui impressionne ma rétine depuis mon enfance. J’ai d’abord voulu récolter les tableaux abstraits sauvages que je trouvais sur mon chemin mais très vite, l’ajustement du cadrage s’est révélé comme outil de composition pour « dessiner » des images. J’ai commencé à explorer toutes sortes de formes aléatoires pour me les approprier et en faire mon matériau créatif, chassant les sujets les plus insignifiants pour les transfigurer en portes pour l’imagination. Mes images ne disent pas ce qu’elles montrent, ne disent même généralement pas ce qu’elles sont. Elles font appel à cette faculté que nous avons tous de recréer ce que nous voyons en l’interprétant. Je cherche ce vertige créateur, cette subjectivité du regard qui met un filtre sur notre conscience, comme une danse sans fin en équilibre sur la frontière entre réel et imaginaire.

La peinture aide Hamida Ouassini à mieux comprendre la vie et à mieux comprendre ses sentiments. Les œuvres actuelles de l'artiste belge reflètent la personne qu'elle est aujourd'hui et expriment ses préoccupations esthétiques et existentielles. Le choix de la couleur dépend entièrement de son humeur et n'est jamais un hasard. Elle explore des thèmes variés à travers des séries et des peintures utilisant des acryliques sur lin.

Née en 1983 à Chiyah, Liban
Vit et travaille à Paris

L’une des premières occurrences du mot Rasm (ou « dessin » en arabe) se trouve dans la poésie d’Imro’ AlQais (500-550). Elle signifie l’empreinte, le vestige de l’être aimé dans le sable.
Guidée par cette transcription, je dessine pour connecter des images, soigneusement enfouies dans ma mémoire, à l’Intelligence cosmique.Pour moi, le trait représente peut-être un chemin heureux vers une aire de jonction, de partage et de continuité.

Sandra Ghosn

Né au Liban en 1963, Bardig est un artiste et photographe primé, basé à Paris depuis plus de 30 ans. Il est diplômé de The New York Institute of Photography. Après un travail de plusieurs décennies réalisé sur le thème de l'Arménie, et du génocide des Arméniens, Bardig explore avec la même sensibilité la ville. C'est grâce au traitement photographique effectué avec ses logiciels que la poésie de la photographie dévoile toute sa beauté pour nous envouter et nous entraîner dans un monde intérieur riche de sensations, montrant les limites du visible et les possibilités de voir au-delà.

Sophie Bernard née le 23 juin 1948 à Neuilly-sur-Seine (Seine) est une peintre, sculptrice et scénographe française.

Artiste peintre, elle vit et travaille à Ivry-sur-Seine. Après son diplôme de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, elle intègre en 1969 “La Ruche“, qui fut, après avoir été construit par Jean Eiffel pour l’Exposition Universelle de 1889, un lieu refuge entre les deux guerres pour nombre d’artistes renommés du 20e siècle. Elle y travaille la peinture, le dessin, la sculpture, et crée des installations en s’inspirant de la mythologie grecque. Certains de ses travaux furent repris pour des mises en scène de théâtre. La plupart de ses œuvres seront présentées dans des galeries et intégreront des collections privées ou des musées (Arts Modernes de Paris, Musée d’Epinal, Centre Pompidou, Fonds National, Elysée… Ses recherches artistiques et son intérêt pour l’histoire de l’art, en particulier pour la Renaissance italienne, la conduisent en 2011 à résider à Venise, où elle réalise “Tintoretto messo in scena“, une installation inspirée du Tintoret ; elle l’expose à la Scuola San Teodoro a Venise en 2012. En 2014 à Florence elle poursuit dans cette voie et crée à partir de l’Enfer de Dante, Terza Rima, une œuvre… qu’elle expose – également à Venise l’année suivante, en 2015. De retour en France, en 2019, c’est en hommage aux naufragés et à Géricault qu’elle crée une série de grandes toiles “Migrations“…

Que ses œuvres soient des séries, des films numériques, des installations ou des peintures, qu’elles soient exposées en galerie ou placées dans un contexte (jardin, architecture, scène), la peinture est le fil conducteur du travail de Caroline Coppey, selon une filiation revendiquée avec des artistes comme Monet pour son approche de la couleur et sa conception globale de la pratique de l’art, Viallat et Support-Surface pour leur déconstruction du tableau, Penone et Long pour leur questionnement du rapport de l’art à la nature, Opalka pour la mise en évidence du concept dans l’oeuvre.

Depuis 1998, elle a mis en place un mode de création particulier, l’Unicité de la couleur, qui consiste à isoler chaque couleur pour la décliner ensuite dans un processus organique, réutilisant cette nuance unique en une cascade infinie d’actions : Carrés, Gouttes, Echantillons, Sols, Chiffons, Accords, Palettes, Couleurs, Tissus, Peintures, Froissées, Coulées, Brisées, œuvres numériques... tous issus de la même source matricielle.

Elle réalise chaque année au moins une exposition personnelle, en concevant un travail spécifique pour le lieu, par exemple, durant les cinq dernières années : Maison Impressionniste Claude Monet, Argenteuil / Jardin Botanique, Saint-Jean-du-Doigt /La Galeru, Fontenay-sous-Bois / L’atelier -Jardins de l’Abbaye, Argenteuil (catalogue) / La Pharmacie, Espace Culturel de l’Hôpital, Tonnerre (catalogue).

Ses œuvres se trouvent dans des collections privées en Europe, aux USA, au Japon, en Israël, dans les collections publiques du Musée Barrois, du fonds d’art contemporain de Hénin-Beaumont, de la ville de Stains, du Printemps des Arts de Monte-Carlo, du Musée des Timbres de Monaco, de l’Artothèque du Lot, du Centre Hospitalier du Tonnerrois et dans les collections d’entreprise de Tilder, Vinci Immobilier et Workman Turnbull.

Attachée au dialogue avec les autres disciplines artistiques, et en particulier la musique, Caroline Coppey a réalisé la scénographie des festivals Les Musicales, Octobre en Normandie, Musique de Chambre à Giverny et Journées de Pont-Ar-Gler. Elle conçoit en 2005 un spectacle avec le violoncelliste Marc Coppey qui est donné au Théâtre du Châtelet (Paris) et repris à Belgrade et au Havre en 2007. Elle participe en 2008 au concert du 100è anniversaire d’Elliott Carter donné par l’ensemble Contrechamps à Genève avec la vidéo projection de l’œuvre numérique Mosaic. En 2017, l’œuvre de Michèle Reverdy, Un violon pour Caroline, composée à partir d’une suite de neuf Palettes, est créée par Emmanuel Coppey devant Le Grand Voile à la Philharmonie des Couleurs. En 2019, elle réalise huit œuvres numériques pour les huit créations musicales du spectacle 7 Femmes et +, imaginé par le mandoliniste Florentino Calvo.

En 2012 a été fondée AO2C, Association des Amis de l’Œuvre de Caroline Coppey, dont l’objectif est de soutenir son œuvre et de contribuer à son rayonnement.

En 2013 est publié chez L’Harmattan l’ouvrage tiré de son doctorat en Histoire, Théorie et Pratique des Arts, Claude Monet : A l’école de l’œil. En 2014 est publié le livre d’artiste Bleu jour, avec des poèmes de Benoît Gréan, réédité en édition limitée en 2022.

Depuis 2021, Caroline Coppey a établi un partenariat avec l’ONG Jiboiana et reverse 5% de ses ventes à cette association qui contribue à la défense des droits des peuples autochtones en Amazonie et à la reforestation.

En 2023, Caroline Coppey est invitée à présenter ses œuvres dans la Maison Impressionniste Claude Monet d’Argenteuil et son jardin, puis à Genève, pour sa première exposition personnelle à la galerie ART NOW projects.

Caroline Coppey vit à Paris et travaille à Choisy-le-Roi. Elle est représentée par la galerie ART NOW projects.

Née à Budapest, Hongrie en 1936
1954-1956 Etudes à l'Ecole des Beaux-Arts, Budapest
1957-1962 Etudes à l'Ecole des Beaux-Arts, Paris

élève de Jean SOUVERBIE et Jean AUJAME, section fresque.

L'œuvre d'ANNA STEIN' est ouverte sur l'histoire et la poésie, sur le mythe, le récit et l'émotion, sur le mémoire et l'instinct.

Aussi reconnaît-elle que l'histoire de la peinture se confond, avec sa propre histoire, de laquelle ne pouvait éclore qu'une œuvre unique, marquée des fortes empreintes du passé. Le mystère, la joie, le drame, l'attente, l'espoir et la matière picturale sont consubstantiels. L'œuvre d'Anna Stein s'étend aujourd'hui sur quarante ans de création et s'enracine dans la Métamorphose.

Lydia HARAMBOURG - 1999

Chiara Stefani est une artiste contemporaine italienne basée entre Paris et l'Italie du Nord, qui combine techniques traditionnelles telles que l'huile sur toile et le graphite sur papier mais avec une perspective contemporaine. Son travail est structuré sur la représentation de féminin. Le concept principal est de se concentrer sur ces qualités comme douceur et vulnérabilité qui ne sont pas synonymes de faiblesse. "Notre société récompense toujours les hommes approches valorisant l'individualisme, l'agressivité et la pensée analytique comme de bons attributs pour atteindre le succès. Il est temps d'inverser la tendance, de responsabiliser les côté féminin qui est à l'intérieur de chacune d'entre nous, pour générer un monde plus créatif, nourricier et aimant ». Dans ses peintures, elle essaie de recréer ce sentiment de l'autonomisation et la fraternité, pour capturer l'inné la force et la complexité des femmes et envisage la nature de la connexion. Tout au long de la représentation de gens ordinaires, elle veut explorer le kaléidoscope de émotion que l'on peut trouver dans le visage humain.

Dans ses œuvres, les femmes sont très charismatiques, représenté regardant souvent en avant sans sourire et introspectif expressions. Elle trouve certainement aussi son inspiration dans ses diverses voyage à travers le monde, notamment en Asie du Sud-Est, où elle a vécu quelques années, et le Moyen-Orient. Elle passe d'innombrables heures à travailler sur ses peintures en essayant pour représenter ce sentiment spécifique pris dans ce défini moment afin de se connecter profondément et plus intimement avec le spectateur.

Née en 1986 en Italie, elle a commencé à explorer les arts expressions dès le plus jeune âge. Elle a étudié les beaux-arts et elle est diplômée en art Conservation du patrimoine culturel à Venise, et ce a ouvert la voie à sa carrière dans le domaine de l'art, lui permettant expérimenter différentes techniques et étudier matériaux utilisés par les artistes il y a des siècles jusqu'à la dernière techniques.

Son style figuratif et hyper réaliste lui permet de exprimer sous la forme la plus élevée le concept qu'elle veut représenter sur la toile.

Pat de Wilde né 1949 (Lille)
Vit et travaille  : Marseille

Patrick de Wilde a parcouru le monde en spectateur émerveillé et passionné. Il écrit : « Je me suis seulement efforcé de répondre spontanément à l’appel des êtres et des choses de façon à coïncider au mieux avec ce qu’ils pouvaient présenter d’unique et d’étonnant».
Profession : Photographe, Dessinateur, Sculpteur, Écrivain, Voyageur. Patrick de Wilde commence son activité professionnelle de reporter photographe en Asie. Il y travaille notamment sur les religions bouddhistes et jaïnistes, ce qui le conduit à partager le mode de vie des bonzes, notamment en Birmanie et Thaïlande. Il se tourne ensuite vers l’observation des grands espaces sauvages. Il consacre les années suivantes à l’étude des peuplades les plus isolées et à la survivance des coutumes chamaniques. Dès ses premiers voyages au début des années 1980 il réalise des portraits sur fond noir.